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跳入未知世界

Johanna Lou, 杨雅茹 2017-04-10 10:13

科幻、占星和人类命运


对宇宙的探索是人类几千年以来孜孜不倦的议题,尤其近年科幻题材的文学、电影和艺术创作愈见蓬勃,将对天文学的讨论普及到了日常生活中,原本深奥而遥远的各种学说再次回归人们的视野。而另一方面,相对“伪科学”的占星学也已经成为人们日常交流的话题甚至行为准则。抛开科学性的元素,天文、占星以至代数、量子物理学,各自都不过代表了认识世界的不同方式,无法用简单的是非黑白去框定。正如在艺术家陈滢如看来,科学与伪科学,信仰与知识,互相依存,因而作品中层叠交错各种神秘学与科学论述和试验方法,使观者对自身的“去信仰化”不断产生质疑,或许“通晓宇宙意图最快的途径,正是通过自己的心灵”。


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陈滢如是来自中国台湾的多媒体艺术家,于台北艺术大学毕业后,又在旧金山艺术学院行为与录像艺术研究所取得硕士学位,创作形式涵盖录像、绘画及摄影,并以她独特的叙述方式和题材获得国际关注。年前她刚在曼彻斯特当代亚洲艺术中心举办个展,其中的一件作品《超星鉴定II :关于托勒密和哥白尼两大世界体系的对话》又即将于香港的六厂基金会的群展《线之时空》中展出。


她认为,以线条组成的星盘为占星术和行星运动之根本,她的艺术图表类似于宇宙天体的运行,其无形引力牵动着在银河系中人类的行为方式,常被描绘成圆形的运行路径,象征非线性流动的时间观,鼓励观众重新反思人类不能预知的命运。 


《超星鉴定II》


《超星鉴定II》是件大型声音及影像装置艺术,灵感来源于历史上对地心论和日心论的争议。作品以双频道动画(地心论、日心论)为主要视觉,另有双声道对话声轨贯穿全场,对话内容摘自《关于两大世界体系的对话》,并改编加入《周易》之《彖传》《系辞上传》《系辞下传》《文言》等哲学概念,用英文缓缓道来。作为作品极重要的元素,本次展览现场特地准备了中文翻译文字稿以方便观者了解其中的内容。


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陈滢如认为,她作品中所谓的“线”是没有起点也没有终点的一条线。正如近期热映的好莱坞电影《降临》,故事中外星人的时间概念是非线性的,人类也身处在这个循环中,与佛家轮回的的观点类似。亚里斯多德认为,一个井然有序的宇宙不可能有直线运动,因为自然界的万物是不会向它达不到的地方运动的,唯有静止和圆周运动适用于宇宙秩序。因此无论是日心论、地心论、佛家的轮回观点,艺术家相信时间是循环的,人们此生在经历的是一个广大圆周中的小小弧度,在这极小弧度中又自己产生一个时间的循环,如同托勒密的“均轮”和“本轮”的观念。作品在影像上虽然套用两大系统的物理公式,但也企图表达时间既是循环且又层层堆叠的。


占星学


陈滢如对一种无形的驱力极有兴趣:星球对人类的影响。如果说我们最常感应到的星球效力是太阳和月亮,例如爽朗的天气让我们心情愉悦;体液处于高峰期的满月时分不宜开刀,以免大量出血。她相信在太阳系中,以各种物质组成的球状天体对地球具有强大的影响力。而这个看不见的力量,不但随着人类文明发展了上千年,也在她近年的作品中扮演非常重要的角色,那就是“占星学”。


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陈滢如在之前的采访中提到,炼金术、占星术甚至医学,在很久以前是相通的。她在自修占星学的过程中,发现每本教科书都会提到炼金术、共时性、神话等等庞大的神秘学知识系统。随着钻研的深入,她更讶异这个传承千年、逻辑严谨的知识体系,是如此博大精深,如同无底洞般永远研读不完,尤其每个科目都是相关的,例如天文、算数、几何、音乐这四艺在现代化之前是合并一起的学习条目。这也让她更相信“天地万物息息相关”这个概念。


在创作实践的语言使用上,艺术家期待观众即便不懂神秘学符号的意义,也会明白整体装置试图阐述的大小宇宙概念,如同叔本华说的:“人可以做他想做的,但不能要他想要的。”而面对天文与占星、理性与感知之间的博弈,她坦言自己从来不是理性的人,相反,非常感性、容易冲动也毫无理智,也许在作品的片面解读,甚至表现手法上一时看不出来,但她十分赞同亚里士多德的观点:“感知经验比理性可靠。”因为她的创作都在处理其内心很深沉的“感觉”,甚至痛楚。通过把个人的感知格局放大,再加上层层滤镜,让观者看不到真实的内心。


催眠,潜意识与机械


艺术家王欣有略显可爱的外表和细腻的声音,或许总是被她作品中异常丰富的粉红色元素“欺骗”,很难想象这位年轻的多媒体艺术家还获得GPST 国际催眠师资格认证,并完成了国家二级心理咨询师一年的培训, 创作之余对机械、科学未来和科技也有研究。打开她的个人网站,神秘的线条和方格点让你分不清这是个科技极客还是“脑洞”非凡的创造者。简单地说,你会觉得自己过往的认知系统被“Hack”了。


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王欣2007年本科毕业于中国美术学院新媒体系,后入读芝加哥艺术学院电影、录像、新媒体和动画系,2011年获硕士学位。她的作品以装置与影像为主要形式,心理、潜意识以及艺术生态系统都是她较为关注的题材。作为一位公认的催眠师,王欣的创作具有某种使人着迷的力量,令人能够产生较强烈的情绪反应。一方面,她利用催眠和心理学的方式,以非物理形式的创作探讨潜意识作用下的艺术创作形态。一方面她又透过夸张的口号,鲜明的语言标志装置等挑战当代艺术家的地位以及艺术市场的运作状态。


关于催眠


对王欣而言,探讨在催眠状态下潜意识所激发的可能性, 包括艺术创作的潜能是她最感兴趣的命题。几年前认识王欣的契机,就是几位艺术家告诉我有位很厉害的艺术家学姐会催眠——听上去像是会解读水晶球的巫师。抱着极大的好奇,来到她在杭州想象力实验室设置的“八赫兹实验室”并开始我人生第一次的被催眠。或许干扰太多,第一次催眠以失败告终。后来又约了第二次,随着她耐心的引领,我的确进入状态并且感觉就像《神秘博士》里的博士,灵魂可以游荡在体外观察自己, 尽管并没有其他特异的绝技,依然觉得不可思议。


王欣说她本科期间就开始对心灵层面,尤其是梦境的思考, 2008年的时候尝试了第一次自我催眠。这是她为数不多的自我催眠成功的例子。她说自己并不是想进入催眠状态,而是想进入催眠的梦境,然后玩一玩。描述催眠后的状态,她总是非常兴奋,“飘起来啦!是真的感觉飘起来了,然后飞到了窗户外面, 窗户外面就是梦境。” 在王欣看来,催眠状态其实是很专注的状态,另一种清醒,是闭上外在的眼睛,睁开内在的眼睛。


通过催眠,她试图审视催眠状态下内在视觉艺术性表达的各种可能性。她的试验对象有本身是艺术家的,有些在催眠状态下展开天马行空的创作,甚至开始用英语滔滔不绝地描述彼时的场景。每次的效果自然因人而异,并不是每次都能成功。她一般会通过呼吸、表情和配合度等仔细观察,来判断对方是否进入了状态。问及催眠难吗,她说其实不难,但的确需要好的老师和大量的练习。


关于粉红色


看过王欣作品的读者一定对其中大规模(几乎是完全)霓虹粉色的元素印象深刻。王欣说,粉色系列作品是她对当代艺术生态的反思。


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如果说,王欣用40% 的能量向内看,通过催眠、梦境、心理学,发掘内部真实的自己,那么另外还有40% 的能量,则是探索当代艺术生态系统,创造流动的、不断更迭主角的粉红色“一个画廊”—一个另类的展览空间,作为一个框架和平台,让任何感兴趣的人都有机会参与,不以专业背景或市场价值筛选“艺术家”,销售与交易亦不成立。这种近乎乌托邦的运作模式是“粉色的”,因为王欣觉得粉色是性感的颜色,用来模拟类似“红灯区”的艺术圈生态。除了“一个画廊”,王欣近期还创作了粉红色的标语和相关互动行为艺术。这些标语是对艺术圈“暧昧”又赤裸裸的揭示。小推车上的霓虹灯写着“This is an important artwork ( 这是一件很重要的艺术作品)”,“演员” 则推着它在艺博会四处游走,荒谬又让人深思。“Let’s play in the name of art ( 让我们以艺术的名义狂欢吧)”似乎是对当下艺术景观各种现象开的玩笑。“We love art as we love bubble bath (我们像喜欢泡泡浴那样喜欢艺术)”—是的, 好像并没有什么不对? 


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王欣说,她用40% 的能量用以探索催眠,40% 的能量用以探索艺术生态,剩下20%,则是对科学、机械、未来和人工智能的学习和研究。自嘲只有"1/4极客"身份的她其实对机械重度痴迷。站在感知和理性间,她贪婪吸收着两边的能量,整合不同的视角, 以层次丰富的创作和表现形式呈现艺术,最终,观察人本身的存在状态。


网络图像和Emoji的秘密


张心一目前所创作的“Icon”系列作品在艺术界引起一阵热议,藏家们各式各样, 中外贯通。她的作品辨识度也极高,如大众所知的达·芬奇的《蒙娜丽莎》和马奈的《奥林匹克》便轻易在一众作品中寻获。最夺人眼球的是张心一这一系列作品的创作方式—是将选定的名画作为题材,通过电脑上的制图工具,套用上基础线条, 不断使用几何方法去修改,去掉细腻的笔触、色调和光影,简化后最终留下显著的线条和饱和的色彩,一幅扁平化后的世界名画出现在观众的面前。油画中用光影去强调的情绪和空间上的深度,被一层层褪去,取而代之的是单纯而直观的图形,视觉情感却被放大,人们投入了当中,深受其非语言的视觉传达所吸引。

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1987年生的张心一自小是在经典艺术名画的耳濡目染中长大。她清晰地记得,年幼时,父亲将旧挂历中的历史名画裁下来装裱在画框中,挂在并不宽敞的房间里:《阿维尼翁少女》《格尔尼卡》《无名女郎》和《圣母报领》等等。张心一笑称:“这是父亲最划算的一笔教育投资。” 


虽是有了艺术氛围的熏陶,然而,大学本科的时候,张心一在中央戏剧学院读的却是舞台绘景专业,和“美术史” 更是天各一方。与此同时,虽没有太多的广告学和传播学的教育背景,她也陆续地做过一些广告和创意设计。天资聪颖的张心一做起设计和策划来游刃有余,毕业后,索性选择了广告业相关职位。对于一份被动选择的职业,做艺术是她内心中未完成的梦想。“现在不去做的话,也许以后真的会后悔。”2014年,她考取了中央美术学院的硕士研究生,同年,她开始创作“Icon”系列作品。


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其实在“Icon”系列作品之前,张心一的一套“山海经”Emoji 拼贴图已在网络上疯狂转发。张心一在很小的时候便接触过《山海经》,深受其中一些光怪陆离的形象的吸引。Emoji 则作为她的研究生时期的一个课题,她发现两者之间在某种程度上有着不谋而合的共通点:《山海经》是古时候人们对于未知神秘事物的一种架空想象,Emoji 即是图标,图标不论是追溯到古时代的“图腾”,或是现在跨越地域和人种的直观联系工具,它们都是一种对于零星世界观的拼贴方式。何况如今是互联网方方面面深入渗透的时代—— “互联网的传播更倾向于关键词的传播,‘山海经’和‘Emoji’便是非常容易被传播的两个词语,当它们结合在一起时,就引起了化学反应。” 


由此看来,张心一的“Icon”系列的创作是互联网传播之下的必然。该系列作品看似是对于现在时代下符号化和扁平化的一种呼应,不如说它是一个人们喜欢用扁平化去解读一切的思维下的结果。张心一说:“我的作品风格的确是‘波普’的。像波普艺术总体的特点就是图像非常鲜明。我为什么要做美术史呢?我是想通过这种看似暴力的图像,严格的黑线边角,然后构建出——现在的我们对于经典美术作品和历史的一种暴力的解读。它其实是把那些有深度的作品全部扁平化了的一种概念。”它是现下受网络审美影响的人们的一种统共反应, 也是张心一对于如此现象下的一种自我解答。


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当谈到在当代艺术已不可避免量值化的商业市场背景下,一件被商业化后的艺术品还具备着“诉说”能力吗?对此,张心一非常乐观。在目前她所创作的“Icon”系列的大部分被藏家收藏的情况下,她平心而论,认为商业价值和艺术价值互不矛盾。她希望开发出作品的商业价值,同时,商业并非是艺术的稀释剂,相反,或许它正是以这种方式带领观者走入作品的深处,将作品的艺术性发挥到位。张心一还说:“在艺术的形状如此模糊的今天,商业和艺术是可以随时转化的,艺术并不是艺术本身,商业原则在某种意义上来讲是对于艺术的‘公平’。”而她也是清醒和严谨的,并不希望“Icon”系列成为大众化商品。艺术的诉说能力真的消失了吗?艺术能说的东西还有很多。



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